극적인 아르데코부터 엄격한 미니멀리즘 바우하우스까지, 1920년대는 예술과 문화의 진정으로 흥미로운 시대였습니다.
로어링 트웬티스(Roaring Twenties)는 전쟁 사이의 불안이 새로운 세계에 대한 흥분과 결합된 다채롭고 독특한 시대였습니다.
일부 사람들은 미래의 미적 언어를 발명하고자 했고, 다른 이들은 현재의 정체성을 찾으려고 노력했습니다. 아르 데코(Art Deco) 스타일은 당대의 대표적인 대중적 스타일로 야심 차게 자리 잡았으며, 동시에 지식인들은 재즈, 정치, 심리 탐구를 중심으로 새로운 철학을 구축했습니다. 로어링 트웬티스를 정의한 여섯 가지 문화적 트렌드에 대해 더 알아보겠습니다.
1. 아르 데코: 로어링 트웬티스의 대표적인 미학
아르 데코의 세련된 현대성은 미래주의(Futurism)와 입체파(Cubism) 예술 운동의 논리적이고 기능적인 발전으로 등장했습니다.
입체파의 엄격한 기하학과 고급 기술에 대한 미래주의적 찬탄은 고대 이집트 및 일본의 예술과 건축을 비롯한 다양한 미적 영향과 결합되었습니다.
아르 데코의 역동적이고 각진 사실주의는 풍부한 장식과 균형 잡힌 대칭을 특징으로 하며, 시각적 구성 요소에 크게 신경 쓰지 않는 현대 미술의 지적 형태에 대한 궁극적인 대안이었습니다.
타마라 드 렘피카의 그림, 반 클리프 앤 아펠스(Van Cleef & Arpels)의 보석, 그리고 크라이슬러 빌딩의 웅장한 크롬 존재는 그 자체로도 인상적이었습니다.
아르 데코는 인간 활동의 모든 영역을 아우르는 스타일이었습니다. 어떤 의미에서는 현대적이고 부유한 라이프스타일을 판매하는 브랜드와도 같았습니다.
건축가들의 구성주의나 바우하우스 학자들의 이론적 고찰과는 달리, 아르 데코는 스스로를 설명하거나 그 존재를 정당화할 필요가 없었습니다.
아르 데코는 순수한 쾌락적, 도피적, 그리고 사치스러운 스타일로서, 관객들이 전쟁 사이의 불안을 벗어날 수 있게 했습니다.
2. 표현주의 미술과 영화
표현주의 미술은 로어링 트웬티스 시대의 가장 논란이 많은 트렌드 중 하나였습니다. 거칠고 극적이며 원시적인 표현주의는 현대 시대의 불안과 두려움을 표현했습니다.
에른스트 루트비히 키르히너, 오스카르 코코슈카(Oskar Kokoschka), 프란츠 마크(Franz Marc)와 같은 예술가들은 현실적인 이미지를 희생하고 감정적 강도를 중시했습니다.
그들은 선명한 색상을 사용하여 피부를 네온 그린, 하늘색, 진한 빨강으로 묘사했습니다. 그들의 붓놀림은 혼란스러웠고, 각도는 날카로웠으며, 그들의 인물들은 아프리카 의식용 가면을 연상케 했습니다.
아프리카를 비롯한 비서구권 예술은 표현주의자들에게 서구 회화의 정통적 규범과는 상관없는 단순함과 직접적인 극적 표현으로 영향을 미쳤습니다.
일부 미술사학자들은 표현주의 회화가 혁명적인 운동이었지만 본질적으로 완전히 새로운 것은 아니라고 주장합니다.
르네상스 시대의 위대한 화가 엘 그레코(El Greco)도 감정적 가치를 위해 선과 색을 왜곡하는 개념을 이미 수 세기 전에 사용한 바 있습니다.
독일 표현주의 영화는 1920년대를 정의하고 미술사에 깊은 흔적을 남긴 중요한 문화적 영역이었습니다. 제1차 세계대전 동안 독일 당국은 외국 영화의 배급을 금지하여 적은 예산으로 독일 영화 산업이 발전하게 되었습니다.
독일이 전쟁에서 패배하면서, 압도적인 불안과 슬픔의 감정은 등장인물의 내면 감정에 초점을 맞춘 새로운 형태의 영화를 탄생시켰습니다.
3. 할렘 르네상스와 재즈 시대
1920년대는 또한 아프리카계 미국인 문화가 크게 성장한 시기로, 일반적으로 할렘 르네상스(Harlem Renaissance)로 알려져 있습니다.
이는 아프리카계 미국인 및 이민자들로 구성된 지역 중산층의 경제적 번영과 함께 발전했습니다. 지역 예술가들은 민족적 고정관념에서 벗어나 이웃들과 관련 있는 문화를 창조하려 했습니다.
할렘의 시인, 작가, 예술가, 조각가들은 흑인 미국인의 정체성, 인종적 폭력, 분리정책, 그리고 노예제의 여파에 대한 이야기를 중심으로 작품을 제작했습니다.
할렘 르네상스의 가장 유명한 조각가 중 한 명인 어거스타 새비지(Augusta Savage)는 자신의 삶과 예술로 그 시대를 정의했습니다.
아프리카계 미국인 공동체에서 기원한 또 다른 문화적 랜드마크는 재즈 음악이었습니다. 재즈는 1920년대 문화를 거의 대변하는 장르가 되었습니다.
미국 남부에서 기원한 재즈는 지역적 민속 음악에서 전 세계적으로 유명한 현상으로 변화했습니다. 이 감성적이고 복잡하며 해석적인 장르의 음악은 그 시대의 주된 배경음악이 되었습니다.
4. 초현실주의
초현실주의(Surrealism) 예술 운동은 세기 전환기의 영성과 새롭게 발전한 정신의학 학문에서 그 뿌리를 두고 있습니다.
수십 년 전 영매들은 유령과 영혼의 세계에 도달하려는 시도로 자동 필기와 드로잉을 사용했습니다. 1920년대에 이르러, 초현실주의 예술가와 작가들은 이러한 행위를 무의식의 표현으로 재해석했습니다.
그리하여 탐구의 초점은 내면으로 이동하여, 물리적 세계의 공유된 공간보다 개인의 마음을 우선시하게 되었습니다. 초현실주의는 인간 마음속 깊숙한 곳의 억눌린 욕망, 두려움, 불안을 탐구했으며 다다이즘의 히스테리적이고 부조리한 성격에서 부분적으로 초현실주의가 발전했습니다.
초현실주의는 회화와 문학에 주로 관련되어 있었으나, 영화, 조각, 패션을 포함한 포괄적인 운동이었습니다. 유명한 패션 디자이너 엘자 스키아파렐리는 초현실주의 운동에 중요한 역할을 했으며, 초현실주의 원칙을 패브릭과 장식 언어로 번역한 창의적인 인물이었습니다.
제도적 장벽에도 불구하고 여성 예술가들은 초현실주의에 적극적으로 참여했고, 여러 면에서 그 운동을 정의하는 데 기여했습니다. 도라 마르와 카티 호르나와 같은 대가들의 초현실주의 사진은 현대 패션 사진의 기초가 되었습니다.
바우하우스
바우하우스는 종종 예술 운동으로 잘못 분류되지만, 사실은 예술적 비전과 산업 생산을 결합하려는 야심 찬 교육 프로젝트였습니다.
1919년 유명한 건축가 발터 그로피우스가 설립한 이 학교는 나치 당국에 의해 유대인 좌파 지식주의의 중심으로 간주되어 폐쇄되기 전까지 24년이라는 짧지만 눈부신 수명을 가지고 있었습니다.
바우하우스 학생들은 물체의 예상되는 기능에서 형태를 발전시키도록 교육받았습니다. 건물 자체도 원래의 현대적인 교수법을 반영했습니다.
강의는 이동식 벽 패널을 사용하여 분리하거나 확장할 수 있는 개방된 공간에서 이루어졌습니다. 아마도 바우하우스 학교의 가장 큰 보물은 바실리 칸딘스키와 파울 클레와 같은 시대의 가장 진보적인 예술가들로 구성된 교수진이었을 것입니다.
엄격한 미니멀리즘과 기능적 접근에도 불구하고, 바우하우스 이념은 형이상학적 문제에서 그리 멀리 떨어져 있지 않았습니다.
사실 많은 교수들이 신비주의와 영적 운동에 관여했습니다. 칸딘스키는 자연의 힘과 상호작용을 통해 의식적인 상태를 발전시키려는 과학적 운동인 인류학에 참여했습니다.
또한 칸딘스키는 시각 예술의 영적 요소를 탐구한 저명한 예술 이론가였습니다. 또 다른 바우하우스의 전설적인 인물인 스위스 디자이너 요하네스 이텐은 논란의 여지가 있는 신조로아스터교의 마즈다즈난(Mazdaznan)이라는 종교 단체의 일원이었습니다.
6. 구축주의: 공산주의적 1920년대
구축주의 예술과 디자인은 필연적으로 엘리트주의와 계급 차별에 뿌리를 둔 전통적인 고급 예술의 표식과 구성 요소를 거부하는 데 중점을 두었습니다.
예술을 모두가 접근 가능하고 이해할 수 있게 만들기 위해, 구축주의는 간단한 기하학적 형태와 기본 색상에 의존했습니다.
모든 요소는 기능적이어야 했지만, 또한 새로운 평등 사회의 변혁적인 힘을 보여줘야 했습니다. 이 새로운 미학적 언어는 장인정신보다는 산업 생산의 가능성에 의존했으며, 즉각적이고 널리 이용할 수 있는 제품을 제공하는 것이 목표였습니다.
기능성을 추구함에도 불구하고, 구축주의 건축은 야심 차고 혼란스러운 제스처를 포함하지 않은 것은 아니었습니다. 그 대표적인 예가 회전하는 사무실 공간으로 이루어진 유토피아적 구조인 타틀린의 탑입니다.
구축주의 미학 이념의 가장 주목할 만한 응용 중 하나는 초기 소련의 직물 디자인이었습니다. 혁명 이전, 러시아 제국의 섬유 산업은 번성하여 다양한 직물을 제공했으나, 부유한 제조업자들이 러시아를 떠나면서 생산이 중단되었고 새로운 발전이 필요해졌습니다.
여성 예술가들인 류보브 포포바와 바르바라 스테파노바는 소비에트 소비자들의 미학적, 기능적 요구에 맞는 새로운 현대적인 직물 디자인을 고안하는 임무를 맡았습니다. 기하학적 패턴과 착시 효과는 스테파노바의 직물 디자인의 기초가 되었습니다.