개념미술은 최종 작품의 미적 품질보다 원래의 아이디어나 의도를 강조하는 미술 운동입니다.
개념미술은 원래 미니멀리즘에서 파생되어, 예술 작품의 본래 아이디어나 의도를 강조하려는 추상 예술의 경향을 포괄하는 용어가 되었습니다.
매체, 스타일, 시간대를 초월한 개념미술은 '예술'에 대한 모더니즘의 개념에 도전하는 혁명이었습니다. 개념미술의 역사와 그 문화적 영향을 알아보겠습니다.
개념미술: 예술 자체에 대한 질문
멜 보크너의 첫 전시 "작업 도면 및 반드시 예술로 간주될 필요가 없는 종이에 표시된 기타 가시적인 것들"은 뉴욕 갤러리에서 다양한 미술 책을 전시하며 개념미술 역사에서 중요한 사건이 되었습니다.
결국, 미국의 개념미술가 솔 르윗이 그의 에세이 "개념미술에 관한 단락들"을 통해 개념미술이 새로운 예술 형식으로 인정받는 길을 열었습니다.
1967년 6월 Artforum에 발표된 이 유명한 에세이에서 솔 르윗은 “예술가가 개념적 형태의 예술을 사용할 때, 모든 계획과 결정은 사전에 이루어지며, 실행은 단지 형식적인 일일 뿐이다. 아이디어는 예술을 만드는 기계가 된다.”라고 말했습니다.
추가적으로, 르윗은 개념미술을 비이론적이고 이론을 설명하지 않으며, 직관적이고 모든 종류의 정신적 과정과 관련이 있으며 무목적적인 것으로 정의합니다.
개념미술은 종종 예술의 본질 자체에 의문을 제기합니다. 1969년 예술가 조셉 코수스는 개념미술을 정의하면서 예술을 동어 반복으로 정의하며 “예술은 예술에 대한 유일한 주장이다.
예술은 예술의 정의이다.”라고 설명했습니다 (철학 이후의 예술, 1969). 코수스 자신도 그의 많은 작품에서 예술을 동어 반복으로 반영했습니다.
그의 "아이디어로서의 예술" 시리즈와 "하나와 세 개의 의자"(1965), "시계 (하나와 다섯)"(1965)와 같은 작품에서 코수스는 한 개의 의자에 대해 시각적 코드, 언어적 코드, 물체 언어로서의 코드(즉, 나무로 된 의자)라는 서로 다른 코드를 반영합니다.
코수스에게 있어 예술가의 가치는 "예술의 본질에 대해 얼마나 의문을 제기했는가"에 따라 평가될 수 있다고 합니다 (철학 이후의 예술에서 인용).
그의 인용문은 개념미술이 단지 새로운 급진적인 예술 형식이었을 뿐만 아니라 당시 미국에서 널리 퍼져 있던 클레멘트 그린버그의 모더니즘 예술에 대한 관점과 상반되는 이해를 보여준다는 것을 나타냅니다.
마르셀 뒤샹, 레디메이드와 개념미술
개념미술이 주로 1960년대와 1970년대와 관련이 있지만, 그 아이디어는 20세기 초 마르셀 뒤샹의 예술에서 유래되었습니다.
조셉 코수스는 그의 에세이에서 뒤샹을 예술의 기능에 대해 처음으로 질문을 제기한 예술가로 묘사합니다. 그는 "예술에서 '다른 언어'를 사용하면서도 의미 있게 표현할 수 있다는 깨달음을 가능하게 한 사건은 마르셀 뒤샹의 첫 번째 비보조 레디메이드 작품이었다"고 적었습니다.
오늘날 마르셀 뒤샹은 종종 개념미술의 선구자로 불리며, 그의 1917년 작품 "샘"은 개념미술의 첫 번째 작품으로 여겨집니다. 개념미술은 미국이 중심이었지만 국제적인 예술 운동이기도 했습니다.
형태, 색상, 크기, 재료는 대륙과 예술가에 따라 달랐지만, 아이디어를 수공예품이나 최종 작품보다 우선시하는 접근 방식에서는 일치했습니다.
비전통적인 방법과 재료
많은 예술가들은 자본주의와 상업화된 예술 세계에 대한 비판으로도 개념미술을 활용했습니다. 마르셀 뒤샹처럼, 많은 예술가들은 일상적인 재료를 사용하거나 판매하기 어려운 작품을 의도적으로 제작했습니다.
예술가 브루스 맥클레인은 1971년 자신의 공연 작품 "받침대용 포즈 작업"에서 자신이 작품이 되기도 했습니다.
런던의 테이트 모던 아카이브는 1971년 시추에이션 갤러리에서 열린 브루스 맥클레인의 공연을 "헨리 무어의 대형 받침대 기반 조각 작품의 장엄함을 풍자적으로 비판한 유머러스한 코멘터리"라고 설명합니다.
급진적 입장
이탈리아 개념미술가 피에로 만조니는 1961년에 심지어 경험이 풍부한 예술 관람자들까지 당황하게 만든 작품을 발표했습니다.
그의 작품 "Merda d'artista" (예술가의 배설물)는 도발을 목표로 했음을 제목에서부터 알 수 있습니다. 이 작품은 각각 30g의 배설물로 채워진 90개의 깡통으로 구성되어 있습니다.
깡통 라벨에는 "예술가의 배설물 / 내용물 30g / 신선하게 보존됨 / 1961년 5월에 생산 및 포장됨"이라는 문구가 이탈리아어, 영어, 프랑스어, 독일어로 적혀 있습니다.
예술가의 배설물을 전시함으로써 만조니는 고급 예술과 생물학적 폐기물, 아이디어와 사물을 작은 4.8 x 6.5cm 깡통 안에 결합했습니다.
이 작품은 1960년대 광고 산업의 메커니즘에 대한 풍자적인 논평이기도 합니다. 미국 예술가 메리 켈리 또한 개념미술에서 중요한 작품을 남겼습니다.
그녀는 자신의 작품에서 주로 페미니즘 주제를 다루었으며, 1970년대에 여러 부분으로 구성된 시리즈를 통해 자신과 아기 아들 사이의 관계를 기록했습니다.
메리 켈리와 개념미술
메리 켈리는 "Post-Partum Document"라는 작품의 첫 번째 부분에서 아들의 기저귀 안감에 글을 결합하여 일상에서 사용한 재료와 단어를 함께 표현했습니다.
이 작품에서 기저귀 안감은 사용된 상태로 전시되었으며, 관람자들은 아기의 음식물 섭취와 관련된 얼룩과 함께 그 음식 조합에 대한 설명을 보게 되었습니다. 이 작품은 처음 전시되었을 때 논란을 불러일으켰습니다.
현대 개념미술: 마틴 크리드
개념미술 운동은 1960년대와 1970년대에 가장 두드러졌지만, 최근 몇 년간에도 이 운동 안에서 활동하는 새로운 예술가들이 있습니다.
그중 한 명이 마틴 크리드로, 그는 2000년 작품 "작품 번호 227: 켜지고 꺼지는 불빛"으로 높은 찬사를 받았습니다.
이 작품은 텅 빈 방 안의 조명이 5초 간격으로 꺼졌다 켜지는 것이었습니다. 크리드는 오늘날 런던에서 여전히 개념미술 프로젝트를 진행 중입니다.
에드 루샤: 지속적인 개념미술 프로젝트
이러한 다양한 개념미술의 예들은 이 예술 형식이 아이디어에 중점을 두고 있기에 실현 형태에 거의 제한이 없다는 점을 보여줍니다.
오늘날 미국의 예술가 에드 루샤는 가장 유명한 팝아트 예술가 중 한 명일 뿐 아니라 그의 개념미술 작품으로도 잘 알려져 있습니다.
1960년대부터 에드 루샤는 회화, 판화, 드로잉, 사진, 영화 등 다양한 매체에서 작업해 왔습니다. 개념미술 분야에서 그의 가장 흥미로운 작품 중 하나는 "선셋 스트립의 모든 건물"이라는 책입니다.
제목에서 알 수 있듯, 이 책은 로스앤젤레스의 유명한 선셋 스트립의 모든 건물을 보여줍니다. 이 책의 형태(7.6미터 길이의 아코디언식 접이책)뿐만 아니라, 그 사진이 만들어진 과정 또한 매우 흥미롭습니다.
"선셋 스트립의 모든 건물"을 위해 에드 루샤는 로스앤젤레스 선셋 블러바드의 전체 길이를 소위 모터로 구동되는 카메라로 촬영했습니다.
픽업 트럭의 적재함에 삼각대를 설치한 카메라로 특수 구성을 통해, 루샤는 주요 필름 롤에 매초마다 한 장씩 사진을 찍으며 로스앤젤레스의 이미지를 기록했습니다.
에드 루샤는 이 프로젝트를 1960년대에 시작하여 오늘날까지 로스앤젤레스의 기록 작업을 계속하고 있습니다. 지난 수십 년 동안, 그는 50만 장 이상의 사진을 찍은 것으로 알려져 있습니다.
에드 루샤가 모든 사진을 현상하지 않고 "선셋 스트립의 모든 건물"과 같은 책에 그중 일부분만을 사용한 사실은 이 작품에서 결과물보다는 작업 개념과 기록 활동 자체가 얼마나 중요한지를 보여줍니다.
위의 예들에서 볼 수 있듯이, 개념미술은 공간적, 시간적, 그리고 때로는 사회적으로 유효한 도덕적 경계를 알지 못합니다. 개념미술은 풍자적일 수도, 진지할 수도, 충격적일 수도 있습니다.
개념미술은 그 자체로 무엇이든 될 수 있고, 아무것도 아닐 수도 있습니다. 작품 뒤에 있는 아이디어만이 중요하며, 그것이 바로 1967년 솔 르윗이 설명한 "예술을 만들어내는 기계"인 것입니다.